Il paesaggio del Norfolk, sulla costa inglese del Mare del Nord, è notoriamente piatto. O almeno così sembra finché non si trascorre del tempo con l'ultima installazione di Antony Gormley, distribuita su 300 acri di parco vicino a King's Lynn. Le sue 100 sculture a grandezza naturale della forma nuda dell'artista, ormai familiari, sono quasi identiche. Modellate in ghisa dal suo alto corpo, ognuna è in piedi e ferma, con gli occhi chiusi e le mani rivolte verso il basso, verso la terra.
I segni di fusione sui corpi potrebbero evocare una tribù di cyber-uomini. Eppure l'apparente uniformità allerta l'osservatore sulla loro differenza. Solo pochi stanno con i piedi per terra. La maggior parte è parzialmente sepolta, alcuni fino alle ginocchia o al collo, mentre 20 sono sollevati su piedistalli di cemento alti fino a quattro metri. Infatti, sono tutti in piedi sullo stesso piano orizzontale, a una distanza fissa dal livello del mare o dal nucleo terrestre. Le variazioni di altezza attirano l'attenzione sulle ondulazioni della superficie del pianeta che sono appena percettibili. Se ti posizioni al livello corretto e ti giri di 360 gradi, guardi un certo numero di questi uomini di ferro, sia affondati che sollevati, direttamente negli occhi.
Questa è arte concettuale che è anche viscerale. Vagare tra queste determine enigmatiche sul loro piano fisso significa essere resi elettrizzantemente consapevoli della loro — e della nostra — relazione con la Terra, del profondo tempo geologico che ha scolpito i contorni di questo paesaggio, della topografia rimodellata non solo dalla natura ma dal progetto umano e, a volte, dal lavoro disumano. Muovendosi con il gioco della luce del sole, dell'ombra e della brezza, questa intensa esperienza meditativa è esaltata dai fenomeni naturali — dalla nebbia mattutina e dal canto degli uccelli al pallido daino e alla fragranza dell'erba tagliata. Perfino la ruggine arancione delle sculture e le strisce bianche di escrementi di uccelli si aggiungono alla benedizione.
“Time Horizon” di Gormley all'Houghton Corridor and Gardens è la prima mostra nel Regno Unito di un'opera originariamente allestita nel sud Italia nel 2006. Ma queste determine del Norfolk sono state appositamente fuse in una fonderia delle West Midlands da 23 stampi diversi creati in un anno. Dopo aver preferito le scansioni digitali per la velocità, “l'property scorsa ho avuto il mio primo calco a figura intera da 18 anni”, mi racconta l'artista, che ha una casa lì vicino, mentre rivisita l'opera. Ci sono voluti cinque mesi per installarla e l'inaugurazione è avvenuta in primavera.
La Houghton Corridor palladiana fu costruita nel 1722 dal primo primo ministro britannico, Sir Robert Walpole, come, cube Gormley, la “Versailles inglese”. Un antenato dello scudiero di Norfolk period stato elevato dalle Crociate (da qui l'onnipresente “testa di saraceno” nell'arredamento). Nel porticato sotto le sale di rappresentanza, una scultura di Gormley sepolta fino alle cosce, l'unica all'interno della casa, stabilisce il livello di riferimento per le 99 esterne. Non c'è stato alcun compromesso con questa “ancora” cruciale. Invece di barare tagliandola a metà, cube Gormley, “abbiamo rimosso le lastre di pietra e poi abbiamo forato”, consentendo all'intera scultura con il suo piedistallo di supporto di essere calata nel foro fino all'inguine. Il tappo di lastre di pietra del XVIII secolo, tagliato con un getto d'acqua, verrà sostituito alla chiusura dei lavori.
Praticamente tutti i mobili da sala giochi sono stati rimossi, lasciando teste di cervo sopra i quattro camini. Le porte anteriori e posteriori sono state spalancate, creando una visuale libera attraverso la casa, interrotta solo dalla figura beckettiana che sporge dal pavimento. “Abbiamo perforato il miraggio”, cube Gormley, “e con esso, la sua pompa e circostanza”.
Vincitore del premio Turner del 1994, nominato cavaliere nel 2014, ha posizionato la sua arte contro la proiezione di potenza e bellezza idealizzata della scultura classica. Sebbene sia più noto per il gigantesco “Angel of the North” (1998), molte delle sue installazioni sono realizzate con il suo stesso corpo, da “One other Place”, installata dal 2005 a Crosby Seashore nel Merseyside, o “One other Time” (2017), che emerge con la bassa marea a Margate, a “Occasion Horizon”, mostrata per la prima volta sullo skyline urbano di Londra nel 2007. Eppure “non penso a loro come a me”, cube. “Sono un esempio particolare della comune condizione umana, non un codice o un simbolo”. Il suo punto di partenza come artista è il corpo che capita di abitare, non come immagine o – come a volte si accusa – icona patriarcale, ma come luogo di sentimento ed esperienza.
Gormley indica il frontone sopra Houghton Corridor, con la statua di Demostene, difensore della libertà, affiancato da Minerva e dalla Giustizia. Identificando Demostene con Walpole, cube: “Robert è vestito con una toga all'apice. Lui è di marmo; io sono di ferro”. Mentre “il bronzo o il marmo sono stati i principali portatori della statua”, i suoi uomini di ferro non sono statue ma “attori”. Ognuno del peso di 640 kg, sono inseriti come catalizzatori nel paesaggio per “interrogare la superficie delle cose”, un po' come aghi da agopuntura in un corpo.
Inizialmente esaminato e mappato in 3D con i droni, il sito è stato testato con teodoliti. Sebbene le determine sembrino orientate in modo casuale, nessuna è rivolta verso l'altra. Ispirato dalla meditazione buddista giovanile in India, l'artista vede la loro immobilità come un rafforzamento della consapevolezza contemplativa nell'osservatore. Camminando dall'ha ha curvo, con la sua trincea nascosta che separa il prato dalla natura selvaggia, lungo viali di tigli intrecciati fino ai piedistalli più alti nel giardino murato incassato, sottolinea sottili variazioni nelle forme, da una posizione più rilassata delle mani a polmoni più pieni.
Come nota il saggio del catalogo di Daisy Hildyard, la produzione industrializzata degli uomini di ferro rispecchia l'industria che si trova sotto questo lembo di campagna inglese. Le porte sono “fatte con alcuni dei primi mogani advert essere abbattuti nelle Indie Occidentali”, cube Gormley, alludendo ai legami di Walpole con la schiavitù e l'arricchimento nella South Sea Bubble. Anche localmente, “centinaia di persone lavoravano nella casa. La prospettiva orientale è stata scavata a mano. Ci sono molte ingiustizie in relazione a queste strutture storiche”. Il marchese di Cholmondeley, proprietario residente e ospite entusiasta di mostre contemporanee dal 2015, ha condiviso con lui le mappe di Walpole dell'acquisizione di terreni confinanti.
David Cholmondeley, che ha restaurato i giardini formali del XVIII secolo della sala in 25 anni, afferma: “Ora sembra che siano sempre stati qui”. Eppure, per Gormley, mentre Houghton proietta potenza e permanenza come è stato costruito per fare, la sua impermanenza rispetto al tempo geologico è parte del punto di “Time Horizon”.
L'“intervento” di Gormley coincide con quello di Magdalene Odundo, un'artista nata in Kenya le cui sinuose ceramiche, con sporgenze che ricordano ombelichi, capezzoli o vertebre, sono legami intimi tra l'argilla e il corpo umano. Rimuovendo una delle due gru di porcellana cinese dalla Inexperienced Velvet Bedchamber, Odundo la sostituisce con un vaso di terracotta “Untitled” (1995) con un collo arcuato a forma di uccello, creando un duetto sorprendente e curioso.
“The Falcon can not hear the falconer” (2024), una follia simile a una torta nuziale in diaspro ocra e nero, è in piedi sul tavolo da pranzo del Marble Parlour. Fusi da stampi storici durante una residenza presso l'archivio Wedgwood, i suoi totem di schiavitù sono affiancati dai profili dell'abolizionista Wedgwood e dello scrittore Olaudah Equiano, e sormontati dall'immagine di una donna keniota nelle recenti proteste fiscali. Collegando insistentemente il passato al presente, il pezzo forte di Odundo incorona i dialoghi graziosi ma vigorosi di entrambi questi artisti con la dimora signorile.
'Time Horizon' fino al 31 ottobre; 'Magdalene Odundo' fino al 29 settembre. houghtonhall.com
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